Chi è il professionista della Fotografia, cosa fa e come lo si diventa.

Possiamo provare a definire il mestiere, o meglio i mestieri, del professionista della fotografia?
Credo che oggi sia piuttosto difficile parlare di un unico mestiere. La fotografia è un mondo articolato, nel quale convivono professionalità anche molto diverse tra loro. Si tratta di una tipologia di professionista (e creativo) molto liquido.

Quando pensiamo al fotografo immaginiamo immediatamente una persona con una macchina fotografica in mano, ma questa è soltanto una delle possibili declinazioni professionali.
La fotografia è progettazione, produzione, comunicazione, documentazione, ricerca, editoria, conservazione e divulgazione. È un linguaggio che attraversa moltissimi settori e che richiede competenze differenti. Il fotografo, quindi, non è necessariamente soltanto colui che realizza le immagini. È anche colui che progetta un lavoro, costruisce una narrazione, interpreta una richiesta o documenta la realtà.
Personalmente, nel corso della mia carriera, ho imparato che conoscere la fotografia significa anche conoscere tutto quello che succede prima e dopo lo scatto.

Puoi dirci quali sono le principali figure professionali del mondo della fotografia?
Possiamo individuare diverse aree professionali.
C’è naturalmente il fotografo, che può lavorare nella moda, nella pubblicità, nel ritratto, nel reportage, nella fotografia industriale, di architettura, di still life, di eventi o nella documentazione.
Poi ci sono il photo editor, che seleziona, organizza e costruisce il racconto attraverso le immagini; il direttore della fotografia, il direttore creativo, il curatore di mostre e progetti fotografici, il ricercatore iconografico, il redattore e l’editore.
Esistono poi professioni più legate alla produzione: producer fotografici, assistenti, digital operator, tecnici di sala posa, post-produttori, stampatori e conservatori.
Non dimenticherei gli insegnanti, i critici, i curatori di festival, i responsabili di archivi e i professionisti che si occupano di comunicazione e distribuzione dei contenuti visivi.
È un ecosistema molto più ampio di quello che normalmente si immagina. E non tutte queste professioni richiedono necessariamente di essere un fotografo autore.

Come ci si può avvicinare alla fotografia durante le scuole superiori, per esempio riviste, eventi, siti web, libri, corsi e workshop, alternanza scuola-lavoro, stage…?
Il primo consiglio è molto semplice: guardare fotografie. Tante fotografie.
Non soltanto quelle che incontriamo quotidianamente sui social network, ma soprattutto quelle che hanno costruito la storia e l’evoluzione del linguaggio fotografico.
Visitare mostre, frequentare festival, leggere riviste specializzate, acquistare libri fotografici, entrare nelle librerie e nelle biblioteche. Ma soprattutto imparare a osservare.
Credo sia fondamentale sviluppare una propria cultura visiva prima ancora di preoccuparsi della qualità tecnica delle fotografie che si realizzano.
Naturalmente bisogna fotografare. Molto. Sperimentare, sbagliare, confrontarsi con gli altri e provare a costruire piccoli progetti personali.
Suggerirei anche di partecipare a workshop, incontri e iniziative culturali, cercando occasioni per entrare in contatto con chi già lavora nel settore. Uno stage o un’esperienza di alternanza scuola-lavoro presso uno studio fotografico, un’agenzia, una redazione o un laboratorio di stampa possono essere molto utili.
Ma attenzione: non bisogna avere fretta di diventare professionisti. Bisogna prima capire se la fotografia è davvero il linguaggio attraverso il quale si vuole esprimere qualcosa.

Che percorso di studi si può intraprendere dopo le superiori per diventare professionisti della fotografia?
Esistono diversi percorsi, e la scelta dovrebbe dipendere soprattutto dalla direzione professionale che si intende intraprendere.
Ci sono istituti specializzati in fotografia, accademie di belle arti, università, corsi di laurea in comunicazione visiva e scuole private. Ognuno offre un approccio differente.
Personalmente ritengo importante non limitare la propria formazione alla tecnica fotografica. Studiare fotografia significa anche studiare storia dell’arte, comunicazione, sociologia, antropologia, linguaggio visivo, editoria e cultura contemporanea.
La macchina fotografica è uno strumento. Imparare a utilizzarla è necessario, ma non è sufficiente per costruire una professionalità.
Suggerirei inoltre di non trascurare discipline apparentemente lontane dalla fotografia: economia, organizzazione, marketing, gestione dei progetti e comunicazione possono diventare competenze determinanti nel mondo del lavoro.

Studiare fotografia in Italia o all’estero? Può farci capire pro e contro delle due scelte?
Non credo esista una risposta universalmente valida.
L’Italia ha una tradizione fotografica importante, ottime scuole e professionisti di grande esperienza. Offre la possibilità di costruire una solida cultura visiva, entrando in contatto con un patrimonio artistico e culturale straordinario. Probabilmente nel presente questa formazione guarda poco al futuro.
Studiare all’estero, invece, può offrire una prospettiva differente, permettere di conoscere altri modelli formativi, altri mercati e soprattutto confrontarsi con culture e linguaggi differenti.
Ci sono anche aspetti pratici da considerare: costi, lingua, opportunità professionali e possibilità di costruire una rete di relazioni.
Il mio consiglio è di non scegliere una scuola soltanto per il nome o per il prestigio. Bisogna studiare i programmi, conoscere i docenti, capire quali opportunità offre e, soprattutto, chiedersi se quel percorso sia coerente con i propri obiettivi.
La formazione non finisce con il diploma o con la laurea. È un processo continuo.

Dove trova lavoro un professionista della fotografia?
Potenzialmente ovunque ci sia la necessità di produrre, utilizzare, interpretare o distribuire immagini.
Il mercato comprende agenzie pubblicitarie, case di produzione, studi fotografici, aziende, editoria, moda, giornali, istituzioni culturali, musei, archivi, fondazioni, organizzazioni non profit e realtà legate alla comunicazione digitale.
Un fotografo può lavorare come libero professionista, collaborare con un’agenzia, entrare nell’ufficio comunicazione di un’azienda oppure occuparsi di progetti editoriali e culturali.
Non esiste un unico modello di inserimento professionale.
Vorrei però sottolineare un aspetto: non bisogna necessariamente immaginare il proprio futuro lavorativo esclusivamente dietro una macchina fotografica. Ci sono moltissime professionalità che ruotano intorno alla produzione e alla gestione delle immagini.

Quali competenze professionali richiede il mercato a un giovane professionista della fotografia?
Prima di tutto, una buona preparazione tecnica e una solida cultura fotografica.
Bisogna conoscere gli strumenti, saper gestire la luce, comprendere la composizione, conoscere i software di post-produzione e avere familiarità con i processi di produzione e distribuzione delle immagini. Ma oggi il mercato richiede molto altro.
È importante saper leggere un brief, interpretare le esigenze di un cliente, progettare un lavoro, rispettare tempi e budget, organizzare una produzione e lavorare in gruppo.
Bisogna conoscere i diritti di utilizzo delle immagini, il diritto d’autore, le liberatorie e gli aspetti contrattuali della professione.
E poi c’è una competenza che considero fondamentale: saper pensare per immagini. Avere una propria cultura visiva, conoscere i linguaggi e riuscire a dare una direzione a ciò che si produce.
La tecnologia cambia continuamente. Le competenze culturali e progettuali, invece, sono quelle che permettono di affrontare il cambiamento senza subirlo.

Di quali soft skills avrà bisogno un bravo professionista della fotografia?
Direi curiosità, capacità di ascolto, sensibilità, spirito di osservazione e soprattutto capacità relazionale.
La fotografia è un lavoro che, anche quando sembra individuale, è quasi sempre il risultato di una relazione: con il soggetto fotografato, con il cliente, con il committente, con una redazione o con un gruppo di lavoro.
Servono affidabilità, puntualità, capacità organizzativa, problem solving e disponibilità a mettersi continuamente in discussione.
Aggiungerei la capacità di accettare le critiche. È una delle cose più difficili, ma anche una delle più importanti per crescere.
E poi la perseveranza. Perché il talento può essere un punto di partenza, ma non è sufficiente per costruire una professione.

Come trovare lavoro da professionista della fotografia dopo l’università?
Il primo passo è comprendere che il diploma o la laurea non rappresentano un punto di arrivo, ma l’inizio di un percorso.
Bisogna costruire un portfolio, imparare a presentare il proprio lavoro e sviluppare una rete di relazioni professionali.
Suggerisco di frequentare eventi, festival, mostre, incontri e occasioni di confronto. Presentarsi, conoscere persone, capire come lavorano gli altri e individuare i settori nei quali si vorrebbe operare.
È importante anche imparare a utilizzare gli strumenti di comunicazione professionale, a partire da un sito personale e da LinkedIn, senza però confondere la visibilità con la qualità del proprio lavoro.
Un altro consiglio è quello di non aspettare che il lavoro arrivi. Bisogna essere propositivi, contattare studi, agenzie, aziende, redazioni e professionisti, presentando proposte concrete.
E soprattutto bisogna imparare a lavorare. Anche attraverso collaborazioni iniziali, assistentati e piccole produzioni.
La reputazione professionale si costruisce nel tempo, attraverso la qualità del lavoro e l’affidabilità.

Di quali soft skills avrà bisogno un bravo professionista della fotografia?
Se dovessi aggiungere qualcosa a quanto detto, parlerei della capacità di adattamento.
Il mondo della fotografia è in continua trasformazione. Cambiano i linguaggi, le tecnologie, i modelli produttivi e le richieste del mercato.
Bisogna avere la curiosità di imparare, ma anche la capacità di riconoscere quando è necessario cambiare direzione.
Un professionista non può permettersi di pensare di aver raggiunto una preparazione definitiva. Deve continuare a studiare, osservare, sperimentare e aggiornarsi.
E deve conservare una propria identità. Adattarsi al mercato non significa necessariamente rinunciare alla propria visione.

Per essere un professionista della fotografia servono talento, abilità tecnologiche, olio di gomito e cultura. Ci può dire in che percentuali è il cocktail perfetto, e perché?
Se proprio dobbiamo dare dei numeri, direi:
35% talento, 15% abilità tecnologiche, 20% olio di gomito, 30% cultura.
Non sono percentuali scientifiche, naturalmente, ma raccontano abbastanza bene il mio pensiero.
Il talento è importante, perché rappresenta una predisposizione, una sensibilità, un modo particolare di guardare il mondo. Ma da solo non porta molto lontano.
Le competenze tecnologiche sono indispensabili, ma la tecnologia è uno strumento e, come tutti gli strumenti, deve essere al servizio di un’idea.
L’olio di gomito è quello che permette di trasformare le intenzioni in risultati. Significa studiare, lavorare, provare, sbagliare, ricominciare e non aspettarsi che le opportunità arrivino per caso.
La cultura, infine, è ciò che permette di dare un senso a tutto il resto. È quella che alimenta la visione, costruisce un pensiero e permette di distinguersi.
Una fotografia tecnicamente perfetta non è necessariamente una fotografia interessante. La differenza, molto spesso, la fa ciò che il fotografo ha da dire e il modo in cui sceglie di farlo.

Chi sono stati i suoi fotografi di riferimento da giovane?
Di certo sono stato molto influenzato dagli autori che hanno seguito la documentazione spontanea, che poi hanno riversato nella professione la loro visione.
Garry Winogrand, Lee Freidlander, Robert Frank, Daido Moryiama, Masaisa Fukase, Irving Penn.
Metterei anche qualche italiano: Paolo Roversi, Giovanni Gastel, Gabriele Basilico.

E quali sarebbero se lei fosse giovane ora?
Probabilmente nel contemporaneo avrei tante visioni, tanti autori, ma di certo sarebbero una commistione di linguaggi più che visioni singole.
Oggi i fotografi seguono le onde.
Mario Testino, Ren Hang, Nakita Teryoshin, Todd Hido, Alex Webb, Alech Soth.
Italiani faccio fatica. Forse Mattia Zoppellaro, Mattia Balsamini.

Ci può consigliare qualche buona lettura per chi vuole avvicinarsi al mondo della fotografia?
Consiglierei di non limitarsi ai manuali di fotografia. Anzi, partirei proprio dai libri fotografici, quelli nei quali le immagini costruiscono un racconto e diventano un progetto.
Tra le letture fondamentali metterei sicuramente La camera chiara di Roland Barthes, per riflettere sul rapporto tra fotografia, memoria e realtà; Sulla fotografia di Susan Sontag, per comprendere il ruolo delle immagini nella società; e Questione di sguardi di John Berger, per imparare a interrogarsi sul modo in cui guardiamo e interpretiamo ciò che ci circonda.
Aggiungerei Un’arte media di Pierre Bourdieu, per comprendere la fotografia anche come fenomeno sociale e culturale.
E poi suggerirei di acquistare e sfogliare libri fotografici, tanti. Robert Frank, William Klein, Henri Cartier-Bresson, Luigi Ghirri, Josef Koudelka e molti altri.
Non per imitarli, ma per comprendere quanto possa essere ampio e personale il linguaggio fotografico.

E una fotografia fondamentale?
Sceglierne una sola è davvero difficile.
Più che indicare una fotografia universalmente fondamentale, suggerirei ai ragazzi di cercare quella fotografia che, una volta incontrata, cambia il loro modo di guardare.
Perché credo che il vero passaggio avvenga proprio lì: quando smettiamo di guardare una fotografia soltanto per capire come è stata realizzata e iniziamo a chiederci perché è stata realizzata, cosa racconta e quale pensiero porta con sé.
La fotografia, per me, è anche questo: un modo per lasciare documenti nelle mani dei posteri.